El pasado 28 de septiembre publique en este blog un poema (escrito con palabras ajenas) para ser usado como canto -como lamento estaría mejor dicho- en la escena final de “Tierra del Fuego” , una obra que acaba de escribir Mario Diament, quien me la ha confiado, para que la dirija en noviembre próximo.

El título de poema reúne las palabras “Kadish” y “Salat ul yanaza”, que refieren a las plegarias funerales de la religiones judías e islámicas respectivamente.

En 1978, Yulie Cohen Gerstel, por entonces azafata de las líneas aéreas israelíes El Al, fue herida en un ataque terrorista del Frente Popular para la Liberación de Palestina, en el que una de sus compañeras resultó muerta. Esa circunstancia convirtió a Yulie, en una victima emblemática. Claro que lo era, y con razones sobradas, nadie honradamente puede ponerlo en duda. pero para ella, el privilegio de la sobrevivencia, fue adquiriendo con el paso de los años un sentido que implicaba, además, la consciencia de una dura responsabilidad, la de indagar (indagarse) e, irrenunciablemente, la imposición moral de actuar sobre las causas de una violencia que trascendía las puntualidades históricas del conflicto árabe-israelí, y desnudaba la crueldad de un juego perverso en cuya transcurso las grandes potencias imperiales habían hecho de la palabra “civilización” un ejercicio obsceno.

Todo esto determinó (y así queda reflejado en su película “Mi terrorista”) su escandalosa determinación de entrevistar a Fayad Mihyi, el hombre que 23 años atrás casi la asesina, para buscarse a sí misma en la historia y en el odio de él y para darle a él, antagónico y complementario, idéntica oportunidad. Dicho todo esto,  hay que aclarar que aunque muchos de los episodios y referencias de “Tierra de Fuego” están basados en los hechos a los que nos referimos, otros son inventados o imaginados. Se trata de  una obra de ficción y así debe ser interpretada.

El último 23 de septiembre, el presidente de la Autoridad Nacional Palestina, Mahmud Abbas, dijo en su discurso ante la Asamblea General de la ONU para reclamar el reconocimiento de su país como Estado de pleno derecho:

"Extendemos nuestras manos al pueblo y al Gobierno de Israel para conseguir la paz. Construyamos juntos de forma urgente un futuro para nuestros hijos, construyamos los puentes del diálogo en lugar de controles y muros de separación".

Y obviamente, el pensamiento de Yulie Cohen Gerstel (Yael Alón, en el texto de Diament) se hizo casi físico. Abrí el texto, que estaba (como nunca deja de estarlo estos días) enfrente mío, y ella y Hasan (su antagonista), me hablaban ahora desde mucho más cerca.

Y como, en este tipo de procesos asociativos, una cosa lleva a la otra, recordé que El 31 de mayo de 2010 –poco más de un año atrás- el Mavi Marmara, un buque de pasajeros turco, con varios diplomáticos y figuras públicas a bordo, integrante de la llamada Flotilla de la Libertad, que llevaba 10.000 toneladas de ayuda humanitaria a la bloqueada Franja de Gaza, fue abordado, en aguas internacionales por comandos israelíes. Nueve pasajeros perdieron la vida en el asalto y otros 60 sufrieron heridas (Ugur Suleyman, de 46 años, permanece aún en coma).

Quizás la introducción es excesiva para la reflexión que la continúa, pero cuando ésta se produjo (el mismo día en que leí la noticia del ataque al  Mavi Marmara) no pude dejar de asociarla con una nota para el programa de mano que había escrito para el estreno, en el Teatro Nacional Cervantes, de “Un informe sobre la banalidad del amor”, obra en la que , el mismísimo Diament omnipresente en esta historia, proponía una apasionada y dolorosa metáfora a partir de la relación erótica-intelectual encarnada en una intelectual judía que se constituyó en símbolo de la lucha antifascista y la más aguda analista de los fenómenos totalitarios de la modernidad, Hanna Arend, y un filósofo, quizás el más grande del siglo XX, Martín Heidegger , al que hay razones, incluso desde la mejor tradición filosófica alemana, para considerar, y probablemente con razón, intrínsecamente totalitario.

Son demasiados los nombres, los destinos, que se conjugan y recurren, son muchos, excesivos, los juegos de espejos:  lo que reflejan su infinidad de lunas es, sin embargo,  una sola escena. Una sóla,  sin que importe la fecha del reflejo. ¿1940? ¿1943? ¿1982? ¿2009?….

Las otras victimas del Mavi Marmara

Escribí – creo que fue en ocasión de “Un informe sobre la banalidad del amor”, de mi amigo Mario Diament- : “Intuimos al gusano en el corazón de la fruta, pero, sin colapso moral, lo asimilamos a la lógica de la naturaleza. Y uno ya sabe que las bibliotecas, los museos o los teatros, pueden prosperar en las inmediaciones de los campos de concentración (pocos kilómetros separan la casa de Goethe, en Weimar, de los crematorios de Buchenwald) y así se desvanece la ilusión de que la razón puede abarcar un saber completo, y que la cultura, al ser conocimiento, puede frenar la violencia”. Ahora leo sobre el operativo militar israelí que culminó en el sangriento asalto a la flotilla humanitaria, cerca de la costa de Gaza, en aguas internacionales, de cómo el Mavi Marmara, el mayor de las naves que la componían, fue brutalmente atacado, de la carnicería final: 9 muertos comprobados (hay testimonios de ejecuciones y cadáveres arrojados por la borda) y decenas de heridos, etc.

Entonces pienso en el millón de habitantes de la Franja, hambrientos, sin agua potable, sin energía eléctrica, sin medicinas, sin dignidad, y esas imágenes terribles se me confunden con las del Gueto de Varsovia.

Y descubro que la nómina de cadáveres del Mavi Marmara crece y crece, allí están -además- los de Ana Franck, Primo Levi, Walter Benjamin, Paúl Celan, Irene Nemirovsky, Max Jacob, Jean Améry, Hannah Arendt, Viktor Ullmann , László Weiner, Ernst Heilmann, Hans Krása, Maximilian Kolbe, y las montañas de despojos humanos de Auschwitz, Belzec, Dachau, Maly Trostenets, Buchenwald, etc., y así, hasta los de nuestros paisanos del progrom de la semana trágica de 1919, molidos a palos por los niños bien de la “Liga Patriótica” o torturados y asesinados por las policías bravas.

“El “escucha Israel” no me conmueve. Sólo un “escucha mundo” podría salir de mi alma rabiosamente. Así lo quiere el número de seis cifras sobre mi antebrazo. Así lo exige el sentimiento de catástrofe que domina mi existencia” dice Jean Améry y, como los seis números grabados en su antebrazo, también así lo quieren, creo, los niños, mujeres y ancianos masacrados en Sabra y Chatila, los asesinado a bordo del Mavi Marmara, etc.

(Este canto -para la escena final de “Tierra del Fuego”, de Mario Diament-se hizo con palabras sueltas de Mahmud Darwish, Yabra Ibrahim Yabra,
Mordejai Gebirtig, Fawda Tuqan, Jumah al-Dossari (prisionero en Guantánamo) y Paul Celam)

 

 

 

Todo canto es una madre
Que busca a su hijo en las nubes,
Que busca
Que busca en un mapa de ausencia

Toma mi sangre.
Toma mi mortaja y los restos de mi cuerpo.
Sólo pido morir en mi tierra
Sólo pido estar en el regazo de mi patria
renacer siendo hierba en mi tierra.

Auschwitz , Sabra, Treblinka, Chatila

Caven más hondo las palas
Toquen más sombríamente los violines luego subirán como humo en el aire
y Los músicos de la orquestina del “Zircus Konzentrazani”
aguardarán a los bailarines de “Dabkeh” en las puertas de los hornos
y entrarán juntos.

¿No está ahora en llamas nuestra frágil aldea humana?
¿No hay voces en el corazón de esa brasa?

Buchenwald Qana

Todo poema es un sueño.
He envejecido.
Devuélveme las estrellas de la infancia
Para nuestra patria,
Un techo de nubes.
Para nuestra patria,
La libertad de morir consumido de amor
Para nuestra patria.

¿Y nos quedaremos mirando como nuestra aldea
Va haciéndose ceniza deshaciéndose en humo?

¿Se han secado los racimos a su alrededor?
¿Se ha quemado el trigo?
¿Se han vertido las odres de aceite en la alforja de piedra?
¿Es cierto que tras la lluvia crece la hierba?
¿Es cierto que las flores saldrán en primavera?
¿Es cierto que las aves migrarán a casa?

Es cierto. Claro que es cierto.
Todo son milagros para nuestras patrias cautivas.
Soñé que soñaba
Piedra preciosa en su noche sangrienta…

Nahar al Bared, Dachau, Chelmo, Gaza

En la noche del martes último (6/08/11) , falleció víctima de un paro cardiorespiratorio, nuestro compañero, el inolvidable poeta Roberto Díaz. Me interesa, en su homenaje, publicar el texto con el que saludé la presentación de su primer poemario,

“Epitafio del Gris” (1966)

Reencuentro de algunos ex integrantes del grupo de poesía El Pan Duro (Hugo Ditaranto,

Roberto Diaz, Luis Navalesi y Alberto Wainer, en ocasión de la presentación del libro “La

Verdad sobre El Pan Duro”de Héctor Negro, en diciembre de 2007.

“EPITAFIO DEL GRIS” DE ROBERTO DIAZ

(Año 1966)

Texto leído en la presentación del libro, en el Teatro de la Fábula

Me toca a mí, en nombre de los que durante un tiempo más intenso que extenso integramos “El Pan duro”, presentarles este Epitafio del Gris, primera voz de un poeta en el que intuimos un riquísimo universo de imágenes, ritmos y sentidos que, estamos seguros, se irá dimensionando en el tiempo.

Y ahora que entendemos que “El Pan duro” ya cumplió su ciclo, que prolongarlo sería desvirtuar su espontaneidad, su razón de ser por necesidad, este libro nos reafirma en la idea de que valió la pena, que teníamos razones históricas y estéticas para existir como grupo.

Hoy no voy a intentar, por supuesto, la crítica del libro, hoy solo quiero decirle a Roberto lo que me ocurrió a mí con su poesía, lo que, más allá de nuestras diferencias de criterios y sensibilidades, nos pasó a todos nosotros, los que nos comprometimos a darla a conocer. Lo que la poesía de un joven poeta conmovió, despertó, en otros jóvenes, poetas como él, e inmersos, a su lado, en esta realidad cada vez más compleja, motivadora,

Pienso que Epitafio del gris es poesía lucidamente desgarrada, experencial y, de alguna manera, cruel. Pero con esa calidad de crueldad necesaria, desmitificadora, que afecta en principio a quien la ejerce y asume al otro en su ejercicio No encontramos en ella conformidad con el mundo y con la gente, encontramos al mundo y a la gente desde una poética (una conciencia) identificable en esa segunda acepción del “yo” que Eluard le proponía a Claude Roy: Hay el yo personal, privado, de Musset y Verlaine, y el yo objetivo de Lautremont, que sirve para decir nosotros, es el yo de todos.

Esa percepción, esa vivencia enraizada, solidaria, no extranjera de la realidad, origina un reconocimiento doloroso, una obstinada resistencia a la asimilación, una exigencia de lucidez que, superficialmente, puede ser leída como pesimismo pero que es, en lo profundo, un rechazo radical al optimismo burocrático, a la perspectiva impuesta, unívoca, global, a las estrategias de la mala conciencia (la corrección moral, estética, política, entre ellas), porque la realidad -ese magma objetivo, subjetivo, físico, espiritual, lleno de lógica y de absurdo que contiene y confunde al mundo y al poeta y en el que este se busca a si mismo a la vez que descubre las imágenes del mundo en sí mismo- es siempre mucho más compleja y por eso más rica y por eso más gozosa y por eso más terrible que sus estereotípos ideológicos.

De ahí la amplitud de juicio, mejor expresado: la ausencia de prejuicio, que exige Díaz a su lector, antagónico y complementario. Sólo ama el que odia; sobre esta dialéctica se funda su poética y, además, los términos de aquello que Díaz ama y de lo que odia no se encuentran confortablemente compartimentados, se yuxtaponen, e indiferencian y suceden en el corazón de las misma personas, ideas o circunstancia que son objeto de nuestro amor y, por esta dialéctica, inexorablemente también de nuestro odio.

Porque el destino de ese conflicto de sentidos que sin embargo se contienen es, definitivamente, el hombre. Capaz de toda grandeza y de toda miseria, hacedor y traidor, Adán de la desmesura existencial, de la trasgresión y, también, de las sumisiones más abyectas, de la grisura perfecta. Claro que no hay en esta mirada ninguna abstracción sobre “el género humano”; nada de humanismo idealista ni de idealización para su sujeto-objeto histórico, tampoco de populismo: si su criatura es hecho miserable, la miseria no lo ennoblece, lo convierte en canalla.

¿No podría, acaso, bajo las líneas de poemas como En el colectivo, Tío José, Jerárquico, Gris, Regreso, etc., inscribirse como en un pentagrama, como un todo continuo, la invocación, la súplica, la orden epifánica de Maldoror: Muestra tu esencia divina que hasta ahora has escondido?

¿No es esa la calidad de humanismo que le cabe a sus peripecias, imágenes, atmósferas y sentidos?

También hay caos en “Epitafio del gris”, contradicción y hasta algún poema injusto. Son los riesgos de una participación apasionada, sin reservas, No hay inocencia en la frase de Huidobro que Díaz elige como premisa para su poemario: Sin duda alguna hay muertos que es necesario matar.

Y esto, no se me pregunte por cual asociación misteriosa, me lleva a la cuestión de los temas, de los motivos, que venimos arrastrando, sobre todo los artistas de izquierda, y que, tiempo al tiempo, varía pero no cesa. . Están, se nos dice, los temas que sirven y los que no, los que ayudan y los que -pura forma vanidosa y ponzoñosa- desmoralizan. Hasta se nos protege con fórmulas tan mensurables como la posología de los medicamentos: un 10% de poemas sobre el otoño puede ser asimilable si se lo diluye en un 90% de queja social, optimismo a futuro, y ética de la pobreza. Cualquier alteración del porcentaje puede ocasionar reacciones secundarias. Algo se ha discutido de estas químicas pero en lo esencial y con otros ingredientes, las prescripciones y las proscripciones no caducan; hoy los Papas Negros son formalmente más amplios, eclécticos y admiten un 90% de otoño con sus respectivas guarniciones (cualquiera sean las audacias formales y las oscuridades consecuentes) pero ni una sola imagen de heterodoxia política, ni la sombra de la sombra de los discursos alternativos que cuestionan el monopolio de la dogmática socialista e incorporan como objetos poéticos nuevas prácticas de modificación de la realidad social, esas, justo esas, que no han sido consensuadas por los socios del equilibrio geopolítico.

Ahora bien ¿hay en esa experiencia instranferible del mundo, en esa subjetividad artísticamente articulada que reconocemos como poética, materiales esencialmente buenos, necesarios, y otros intrínsicamente perversos, perniciosos?

Galvano Della Volpe dice que “donde hay poesía auténtica (y es necesario esforzarse por asirla más allá de todo preconcebido esquema de contenido) hay siempre verdad sociológica y por lo tanto realismo, o sea múltiple representación simbólica, y tanto de un modo como del otro asume una posición crítica de una realidad histórica y social”

Habría que insistir en que ese esfuerzo por asirla implica también la crítica de la perspectiva dogmática u oportunista que diseña esos esquemas, sean de contenidos o sean de formas o sean, como finalmente devienen, de esa unidad en la que cada uno de los términos es también, necesariamente, el otro.

El esquematismo, la reducción de la realidad a simplificaciones, acelera una mecánica defensiva inversamente proporcional de esquematismos no menos rígidos. La reacción antisectaria debe cuidarse de sus propios nuevas entelequias.

Y en ese sentido debo admitir que, tras una lectura muy superficial, me prejuició la elección temática de Díaz. Funcionó todo el agotamiento, toda la resaca acumulada por tanta poesía, teatro, cuento, novela. “de oficina”, casi un género, o un sub-género recargado de expresionismo fácil, ausente de caracteres y primera persona, con sus señores ceros, oscuros hombrecitos piel de papel carbónico y tripas como serpentinas de papel de máquina calculadora, Y sin embargo -contra toda esa retórica- hay que entrar en la realidad de la oficina -ese límite, ese espacio de resignación o suspensión de los sueños, de la dignidad, esa rutina idiota, maniática, también esa honda pregunta ontológica (si uno se atreve a formularla), y además tanta conmovedora humanidad, y, ya decididos a nombrar, ese riquísimo bestiario- pero hay que penetrar con telescopio y/o microscopio, no con la perspectiva rasera del color local, hay que entrar a una experiencia personal y apasionante, la de un artista que, en razón de nombrar, acaba con el tópico e inventa la realidad, con materiales viejos y materiales nuevos.

No hay, creo, necesidad de insistir sobre esto, la poesía que escucharemos a continuación asume ese itinerario y es, por supuesto, muchísimo más elocuente…

Quiero, sin quitarles demasiado tiempo, expresar la alegría que la gente de El Pan Duro compartimos con Roberto por “Epitafio del gris”, y dejar además muy en claro que este nacimiento no hubiera sido posible sin “La Rosa blindada” la joven editorial que, pese a la oposición despiadada, y extrañamente acompasada, de los funcionarios de la cultura reaccionaria de izquierda y de derecha, tanto ha hecho –y en tan poco tiempo- por los escritores argentinos,

Gracias al Teatro de la Fábula y gracias a todos ustedes por estar hoy aquí con nosotros.

 

Premio Teatro del Mundo 2010 del Centro Cultural Rojas (U.B.A)

Premio María Guerrero 2010

*A 90 años de la fundación del Teatro Nacional Cervantes.

*A 30 años de Teatro Abierto.

Del 3 al 13 de Agosto (de miércoles a domingos17 a 21 hs.)

Eventos Complementarios: 1, 8, 21 y 28 de Septiembre,

La Feria del Libro Teatral, pionera en su especificidad en Latinoamérica, se ha ido demostrando, edición tras edición, como uno de los acontecimientos mayores de la Cultura Argentina de los que no se puede prescindir sin menoscabo para una sociedad que insiste en extraer de sus más profunda crisis éticas y económicas -y también de sus epifanías- ideas generosas y positivas sobre las que construir un futuro de progreso y equidad.

Propuesta su creación, en 2003, por el Área de Extensión Cultural del Teatro Nacional Cervantes, las razones del éxito de su convocatoria se explican por el trabajo consecuente de un amplio espectro de gente de la cultura -editores, libreros, artistas y técnicos de las distintas disciplinas de la representación, investigadores, teóricos, representantes de las entidades gremiales y culturales más afectadas y comprometidas con las prácticas teatrales, la literatura dramática y las artes escénicas en general- que , año tras año, han avanzado en la idea de profundizar sus sentidos y optimizar su práctica y, con una significación no menor, en la conciencia que han adquirido los teatristas, estudiantes, investigadores, entidades públicas y privadas, y público en general, de que el libro, las publicaciones especializadas y la documentación teatral son, en el universo de las teatralidades, herramientas técnicas, teóricas y críticas indispensables, que trascienden la difusión del texto dramático o el de los lenguajes disciplinarios, y ensayan amplias perspectivas filosóficas, sociales y antropológicas.

Este año la Feria del Libro Teatral, por la simple razón de la insistencia en su cometido cultural, constituirá un homenaje a dos hechos de extraordinaria trascendencia simbólica-cultural: los 90 años de la Fundación del Teatro Nacional Cervantes, y los 30 de la de Teatro Abierto, gesta mediante la que el teatro argentino reafirmó frente a la Dictadura Militar genocida no solo su existencia, sino también su vigencia y su compromiso militante.

Alberto Wainer

TEATRO NACIONAL CERVANTES

EXTENSIÓN CULTURAL

CICLO:

GRAN CINE ARGENTINO

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(Miércoles a las 17 hs. Sala del I.N.E.T.)

ENTRADA GRATUITA.

HOMENAJE A LUISA VEHIL (A 20 años de su muerte) (Montevideo 1911, Buenos Aires 1991) Eximia actriz de la escena rioplatense, Su nombre es indisociable de la historia del T.N.C. (es justicia que, como el de María Guerrero, la fundadora, una de sus salas lleve su nombre). Fue una de las figuras referenciales del Teatro Nacional de Comedia de Don Antonio Cunill Cabanellas y, al ser designada, en l963 (transcurridos dos años del incendio del Cervantes) Directora de la Comedia Nacional Argentina, pidió que su gestión se iniciara simbólicamente en ese espacio desvastado,” por su glorioso pasado –dijo- pero asimismo, como reflexivo compromiso de bregar por la reconstrucción material de esta sede natural de la futura gran compañía oficial”.

 

MIERCOLES 2

LOS TRES BERRETINES (1933)

Dirección: Enrique Susini

Guión: Arnaldo Malfatti y Nicolás de las Llanderas

Fotografía: John Alton

Música: Enrique Pedro Delfino

Actores: Luisa Vehil, Luis Arata, Luis Sandrini, Benita Puértolas, Aníbal Troilo, Osvaldo Fresedo y elenco.

MIERCOLES 9

PAMPA BÁRBARA (1945)

Dirección: Lucas Demare y Hugo Fregonese

Guión: Ulyses Petit de Murat y Homero Manzi

Fotografía: José María Beltrán, Bob Roberts y Humberto Peruzzi

Música: Lucio Demare y Juan Ehlert

Actores: Luisa Vehil, Francisco Petrone, Domingo Sapelli, María Esther Gamas, María Concepción César, Tito Alonso y elenco.

MIERCOLES 16

UNA MUJER (1975)

Dirección: Juan José Stagnaro

Guión: Aída Bortnik y Osvaldo Soriano

Fotografía: Ricardo Younis

Música: Luis María Serra

Actores: Cipe Lincovsky, Federico Luppi, Luisa Vehil, María Vaner y elenco.

MIEROLES 23

LA MUERTE DE SEBASTIÁN ARACHE Y SU POBRE ENTIERRO (1977)

Dirección: Nicolás Sarquís

Guión: Nicolás Sarquís según el argumento de Luis Priamo, Nicolás Sarquís y Haroldo Conti.

Fotografía: Jorge Ruiz y Andrés Silvart

Música: José Luis Castiñeira de Dios

Actores: Raúl Parini, Luisa Vehil, Raúl del Valle, Jorge Asís, María Cignacco y elenco.

MIERCOLES 30

LOS PASAJEROS DEL JARDÍN (1982)

Dirección: Alejandro Doria

Guión: Alejandro Doria y Juan Carlos Cernadas Lamadrid según la novela homónima de Silvina Bullrich

Fotografía: Juan Carlos Desanzo

Música: Alejandro Lerner

Actores: Graciela Borges, Rodolfo Ranni, Olga Zubarry, Luisa Vehil y elenco.

CICLO:

EL TEATRO. UN UNIVERSO DE SENTIDOS

(Jueves a las 17 hs. Sala del I.N.E.T.)

ENTRADA GRATUITA

Las grandes expresiones del teatro nacional y universal en documentales, puestas históricas, Films memorables, registros de archivo, etc.

NOTAS DE ALBERTO WAINER

OTRAS MIRADAS (1)

Juan B. Alberdi pensaba que un gran teatro exigía de sus creadores, armonizar la personalidad, la nacionalidad y la humanidad. Un teatro Nacional con todas sus connotaciones filosóficas, psicológicas, sociales, antropológicas, sucede siempre, esencialmente, en el paisaje (escenario) originario del cual es metáfora, pero se comprueba realmente trascendente cuando, abierto a a otras lecturas universales, se resignifica. Aquí sí que cabe el tópico: la aldea pintada con autenticidad logra espejar al mundo. El arquetipo, sin el clarísimo referente de una cultura puntual, se hace -casi es preceptiva- estereotipo, en el mismo sentido, el costumbrismo “per se” es, necesariamente, menor.

En esta primera programación del año intentaremos observar esos cruces, esas lecturas de una cultura desde otra y, de paso, comprobar que –si se evitan las banalizaciones del “cosmopolitismo” sui-generis y el universalismo abstracto- se puede –aún en este tiempo de fuertes hegemonías culturales- experimentar “al otro” sin ser devorado por el.

Contamos para ello con una excelente versión del “Cyrano de Bergerac”, una anacrónica resucitación de la obra heroica, en verso y cinco actos, que en 1897, (año en el que el naturalismo del Téâtre Antoine abandonaba los arrabales e imponía en una sala central de Paris a sus Zola, Ibsen, Strindberg o Becque) ilusionó a los nostálgicos con un retorno del Teatro Francés a los gastados laureles de su romanticismo. Pero, lo curioso, es que Edmund Rostand, su autor, fue considerado, además de un genio, una gloria nacional, y que, hoy mismo, la obra goza de una extraordinaria popularidad , a la que, sin duda, diversas versiones cinematográficas han contribuido, y que la valentía, la fanfarronería y el amour fou del personaje (inspirado muy caprichosamente en un poeta francés libre-pensador, contemporáneo de Boileau y de Molière,) siguen emocionando al público y desafiando al virtuosismo de los actores .

Precisamente el ejercicio continúa con dos obras de Molière: “El Avaro” y “Tartufo”. De la primera conviene aclarar que podremos revisarla en una versión de mucho interés para entender las formas en que la televisión hispanoamericana solía acercarse al Teatro Universal en los años 60 y 70 (Alta Comedia, en Argentina, Estudio 1, en España, etc.) Un modo un tanto “naif” pero de una teatralidad que, pese al desarrollo tecnológico, no ha vuelto a recuperar el teatro televisado, hasta el punto de, hoy en día, tornarlo desaconsejable. En cuanto a “Tartufo”, la disfrutaremos en una versión muda del genial director alemán F.W. Murnau. Es de 1925, un año anterior al “Fausto” que ya tuvimos ocasión de mostrar en este ciclo. El guión es de Carl Mayer y ambos –director y escritor- debieron probar en carne propia algunas de las dobleces morales que el pobrecito Moliere padeció dos siglos y medio antes: la exposición de la hipocresía del santurrón Tartufo, por lo visto, seguía resultando molesta y, en consecuencia, la película debió sufrir infinidad de cortes y censuras.

En cuanto al “Vania de la calle 42”, que cierra la programación del mes, creo que nos expone a una experiencia artística y existencial de excepción. Louis Malle, al que por entonces se le había diagnosticado un cáncer que le afectaba a las glándulas linfáticas, a causa del cual moriría el 23 de noviembre de 1995 en Beverly Hills, California, nos dejó acompañarlo en un viaje terminal al corazón ruinoso del mítico Victory Theatre de Nueva York, en el que se realizaba una ceremonia que trascendía a un ensayo convencional de “Tío Vania”, la obra que Antón Chejov escribió en 1895 y que David Mamet había traducido al inglés para la ocasión.

Un director de cine francés, un equipo artístico conformado por director, dramaturgo y actores norteamericanos, y un enorme poeta ruso , nos permiten asomarnos –quizás la palabra “espiar” sería más exacta- a la creación de un una estructura de sentimiento, que, a semejanza de la de los personajes chejovianos, sobre el final de un siglo (y a diferencia de ellos, de un milenio) más que que luchar para liberarse de las formas sociales falsas, consumen toda su energía (y perdóneseme la recurrencia en Raymond Williams) en el proceso de tomar conciencia de su propia incapacidad e impotencia. El espejo- como veremos- es doloroso, pero espiritualmente necesario y artísticamente excepcional.

JUEVES 3

CYRANO DE BERGERAC

Autor: Edmund Rostand

Traducción y Adaptación: Anthony Burgess

Director para televisión: Matthew Diamond

Fecha de la trasmisión original: 26 diciembre 2008 (Programa: "Great Performances”), sobre la puesta de David Leveaux, estrenada en el Richard Rodgers Theatre de New York, en noviembre de 2007 (Premios Emmy 2009 y SAGs (Screen Actors Guild 2010) a Kevin Kane, como mejor actuación)

Actores: Kevin Kline, Jennifer Garne, Daniel Sunjata, Max Baker, Chris Sarandon y elenco.

JUEVES 10

EL AVARO 

(Ciclo Teatro en Estudio 1, por Televisión Española, 1972)

Autor: Molière

Adaptación: León Cotanda

Dirección: José Antonio Páramo

Actores: Narciso Ibáñez Menta, José Sacristán, Lola Herrera, María Isbert y elenco.

JUEVES 17

TARTUFO

(Herr Tartüff 1925)

Autor: Molière

Dirección: F.W. Murnau

Guión: Carl Mayer

Música: Guiseppe Becce

Fotografía: Karl Freund.

Actores: Emil Jannings · Hermann Picha · Rosa Valetti · André Mattoni · Werner Krauss y elenco.

JUEVES 31

VANIA EN LA CALLE 42

(Vanya on 42nd Street, 1994)

Autor: Antón Chejov

Dirección: Louis Malle (sobre la puesta de André Gregory)

Guión: David Mamet

Música: Joshua Redman

Fotografía: Declan Quinn

Actores: Wallace Shawn, Julianne Moore, George Gaynes, Brooke Smith, Larry Pine y elenco.

MIERCOLES 16

CICLO:

MÚSICA CONTEMPORÁNEA.

Sala “Orestes Caviglia”, las 21 hs.

ENTRADA GRATUITA

SÉPTIMO CONCIERTO

Con obras de Martín Matalón, Sergio Rivas, Mario Lavista (México), Julio Viera, Giacinto Scelsi y otros.

Dirección general y coordinación: Martín Queraltó

Producción: Ignacio Okita

 

MIERCOLES 30

CICLO:

HOMENAJES.

Salón Dorado (Luisa Vehil) a las 17 hs.

ENTRADA GRATUITA

NORBERTO DIAZ: EL RECUERDO DE UN ACTOR

Sus Compañeros actores y-naturalmente- un público agradecido- recordará este día a Norberto Díaz, fallecido el 18 de diciembre pasado. El inolvidable “gallego” formaba parte del elenco de “El conventillo de la paloma” que se viene representando desde octubre último en nuestro teatro, bajo la dirección de Santiago Doria. Lo recordamos, allá por 1976 o 77, casi un adolescente, en “Despertar de primavera” de Frank Wedekind, o, muy poco después, compartiendo cartel con su maestra, Hedy Crilla, en “Sólo 80”. Desde entonces nunca se apartó de los escenarios, ni desdeñó disciplina alguna (cine o televisión) que le permitiera expresar su talento, tal como íntimamente lo entendía: con autenticidad, disciplina y compromiso.

Porque nuestro trabajo también tiene que ver con luchar contra el olvido, nos reuniremos no solo para evocar del artista, sino también para comprobar como sigue vivo en cada uno de los que alguna vez fuimos sus compañeros o, simplemente, nos enriquecimos con su trabajo creativo.

EXTENSIÓN CULTURAL: 4815 8883/6, interno 188. Correo electrónico: relacionesculturalestnc@gmail.com.

ARCHIVO HISTÓRICO del TNC: (de lunes a viernes, de 13:00 a 19:00) Avda. Córdoba 1155, Subsuelo. 4815 8883/ 6, interno 137.Correo electrónico: archivohistorico@teatrocervantes.gov.ar