Categoría : Ciclo: El teatro

El mundo del teatro narrado por el cine

El Teatro. Un universo de sentidos

Las grandes expresiones del teatro nacional y universal en documentales, puestas históricas, films memorables, registros de archivo, etc.

Septiembre 2012

TEATRO NACIONAL CERVANTES

EXTENSIÓN CULTURAL

Notas de Alberto Wainer

(Sala del INET, Trinidad Guevara, a las 18 horas)

El mundo del teatro narrado por el cine

El cine, pronosticado como un arte sin futuro por sus propios inventores, se asió al Teatro parasitariamente. Si existía alguna estrategia de sobrevivencia no pasaba, seguramente, por insistir en la proyección de fotografías en rápida sucesión de obreros saliendo de una fábrica o de la llegada de un tren. Eso alcanzaba para “ir tirando” hasta que acabara el efecto sorpresa y surgiera, inevitablemente, el aburrimiento. La tabla de salvación –pensaron algunos- estaba en el teatro, en su prestigiosa tradición, en sus unidades narrativas, en sus actores insignes, en esa naturaleza (perfectamente compartible) que implicaba a la realidad y a su representación y, de alguna manera, también a la literatura dramática o dramatizada. Del fracaso de aquellos esfuerzos por sacar al nuevo arte de las barracas populares, el “film d´Art”, que convocó a los dramaturgos, directores, actores teatrales y músicos más prestigioso del momento, es quizás, el ejemplo más clamoroso. Si alguien lo duda, que busque en “youtube” escenas de “La passió” de 1905, “El asesinato del duque de Guisa”, de 1908, o del histrionismo inadecuado de los divos a lo Sarah Bernhardt o Ermete Novelli, etc.

André Bazin, definió, años después, este desencuentro con extraordinaria sagacidad: “hay cruces fecundos y que suman las cualidades de los progenitores, hay también híbridos seductores pero estériles y hay finalmente uniones monstruosas que no engendran más que quimeras.”

Esto no impidió que uno y otro arte, restablecidas sus naturalezas tan diversas, se sirvieran mutuamente y que, ocasionalmente, se parodiaran, se exaltaran y hasta compartieran mitos.

Revisamos este mes algunas de las miradas más inteligentes que el Cine ensayó sobre ese padre, el Teatro, al que (como todos los hijos) amó y odió con idéntica pasión.

Jueves 6

El fin del día

(La fin du jour, Francia, 1939) fin-2.jpg

Con guión del propio director,  y de Charles Spaak (un autor belga al que, con la producción de “El pan blanco”,  la Comedia Nacional Argentina incorporó al repertorio del Cervantes en 1959) este film, además de una de las      expresiones más características de lo que se conoció como realismo poético francés, constituyó, para los teatreros (por afición o por vocación) que, desde antes de los 60, frecuentábamos el Cine Lorraine, una extraordinaria educación ética y sentimental. En ese asilo de viejos actores en el que se espeja la realidad sombría y el pesimismo ante el futuro, de un mundo en el que todavía se enseñoreaban los fascismos, nos encontramos, además, con algunos de nuestros actores referenciales, cuyos nombres, sin embargo, hoy están casi olvidados.

Dirección: Julien Duvuvier

Guión: Julien Duvivier, Charles Spaak

Música: Maurice Jaubert

Escenografía: Jacques Krauss

Fotografía: Alex Joffre, Christian Matras y Armand Thirard

Con: Louis Jouvet, Victor Francen, Michel Simon, Madeleine Ozeray, Gabrielle Dorziat, Alexandre Arquillière, Marie-Hélène Dasté, Camille Beuve, Gaby André, Charles Granval, Jean Coquelin, Luce Camy, Cailloux, Martial Rèbe, Henri Nassiet, Simone Aubry, Simone Gauthier, Romain Bouquet y elenco.

Jueves 13

La historia del último crisantemohistoria_del_ultimo_crisantemo_japon.jpg

(Zangiku monogatari; Japón, 1939)

Dirección y fotografía: Kenji Mizoguchi

Guión; Matsutarô Kawaguchi, Yoshikata Yoda. Basada en la novela de Shôfû Muramatsu.

Música: Shirô Fukai Senji Itô

Con: Shôtarô Hanayagi, Kakuko Mori, Kôkichi Takada y elenco.

A Kenji Mizoguchi se lo sitúa hoy entre los cuatro grandes del cine nipón, junto a Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu y Mikio Naruse. El que proyectaremos (para el prestigioso crítico Jonathan Stemberg uno de los diez films más importantes de la historia del cine japonés) es el primero de una trilogía sobre el mundo del teatro japonés (las películas que la completaron, La mujer de Naniwa, (1940) y La vida de un actor (1941), se encuentran, lamentablemente, en la nutrida nómina de obras desaparecidas de su autor) Historia del último crisantemo cuenta la peripecia de un joven actor de finales del siglo XIX, adoptado por una familia de grandes intérpretes del Kabuki en relación a la que se lo considera un mediocre. El apoyo emocional de una criada, dispuesta a sacrificar todo por él, le permitirá perfeccionar su arte y lograr el respeto de sus colegas y la admiración del público.

Jueves 20 y 27

Las criaturas del paraíso

(Les enfants du paradis, Francia 1945)

1ra. Parte: El Boulevar del crimen.

2da. Parte: El hombre de blanco.

Dirección: Marcel Carné

Guión: Jacques Prévert

Música: Joseph Kosma y Maurice Thiriet

Dirección artística : Léon Barsacq, Raymond Gabutti

Fotografía: Roger Hubert

Con: Jean-Louis Barrault, Pierre Brasseur, Pierre Renoir, Arletty, Marcel Herrand, María Casarès, Louis Salou, Gaston Modot, Etienne Decroux, Marcel Herrand, Gérard Blain y elenco. images

Estamos ante uno de los clásicos indiscutibles del cine francés. En ocasión de los festejos, revisiones históricas y balances estimativos motivados por el centenario del nacimiento del cine (en 1995). hubo quienes la consideraron la mejor película francesa jamás filmada. La circunstancia de que fuera rodada en plena ocupación alemana torna inevitable que este “tributo al teatro” nos proponga -con su equívoco juego de ficción y realidad- traslucidas asociaciones con la dura realidad política coyuntural. En ese sentido –y sin considerar sus intenciones- la película fue apreciada y amada como un poético gesto de resistencia. El gran Jean Louis Barrault fue quien sugirió al poeta Jacques Prevert la historia de Jean-Gaspard Deburau, (el más grande mimo francés del siglo XIX) como eje de la historia, pero como protagonista indiscutible de esta gesta coral, se impone el público, las angélicas y miserables criaturas que se agolpan en las localidades más baratas, un paraíso metafórico sin el cual el arte dramático carece de sentido.

La acción transcurre en 1828 en el Boulevard du Temple de París, conocido como Boulevard del Crimen por la abundancia de asesinatos que día a día se cometían en los escenarios de la infinidad de teatros que allí se apilaban.

 

El Teatro: Un universo de sentidos (Ciclo 2010)

Abril

CICLO EL TEATRO ARGENTINO LEIDO POR EL CINE ARGENTINO

Porque este año del bicentenario el cine argentino de ficción redondea los cien años; porque el tema de la revolución de mayo no fue ajeno a aquel italiano, Mario Gallo, que con “El fusilamiento de Dorrego” (1909/10) le dio el puntapié inicial; porque la inspiración del teatro, para bien o para mal, estuvo desde el principio en esta historia (el propio Gallo filmo, en 1913, un “Juan Moreira”, con un Enrique Muiño novato); por el Oscar que una película argentina acaba de ganar (y reconozcamos que la palmadita en la espalda de la realeza de Hollywood es –sin que importen otras consideraciones- para la autoestima de la mayoría de las cinematografías periféricas, lo que el zapatito de cristal para Cenicienta); porque, aunque no deben confundirse, cine y teatro son regiones que comparten realidades a ficcionar, creadores y (aún con desventaja para el teatro) público; por esas y muchas otras razones nos interesó comenzar este 2010 del Ciclo, revisando las miradas que el Cine Argentino le dispensó al Teatro Argentino (este mes) y al teatro universal (el próximo). Esperemos que compartan nuestra curiosidad.

 

UN GUAPO DEL 900

image Si nos interesa rastrear en los personajes y peripecias de nuestro repertorio nacional (por afuera de las obras que como “Antígona Vélez” de Leopoldo Marechal, o “El reñidero” de Sergio De Cecco, recurren abiertamente al mito griego), una ida trágica: ese impulso o fatalidad, esa obstinación en las acciones sobre sus consecuencias e, incluso, sobre la conciencia, esa definición del carácter que, sin restarle complejidad, prefigura el sentido de sus actos, la referencia ineludible es Samuel Eichelbaum (1894-1967) quien, desde “La mala sed” (1920), hasta sus dramas mayores “Pájaros de fuego” (1927) o, especialmente, este “Un guapo del 900” cuya versión cinematográfica de 1960, revisaremos hoy, ha sujeto a sus protagonistas a la lógica ineludible de sus actos. Ecuménico López, tópico guardaespaldas de un caudillejo del conservadurismo populista de la provincia de Buenos Aires, parecería diseñado para un sainete orillero primario o para el cuadro de costumbres de la politiquería criolla de principios del XX, eso confundió a sus primeros críticos prejuiciados por los clichés. Ocurre que Ecuménico no alcanza la dimensión del arquetipo hasta que no produce su propio descubrimiento. El sentido, más que en el tipo, está en el desarrollo del mito que, como el de toda tragedia, refiere a un aprendizaje. La actuación de Francisco Petrone en el estreno, dirigido en 1940 por Armándo Discépolo, creó un paradigma del personaje y, consecuentemente, un desafío mayor para sus intérpretes posteriores, Rodolfo Bebán o Rubén Stella, por ejemplo, que lo encarnaron, respectivamente, en el Cervantes (1983) y en el San Martín (1999) o -mucho más controversiales en el campo de las adaptaciones cinematográficas:- Alfredo Alcón, hasta ese momento “sólo una cara bonita” y, cinco años después, Jorge Salcedo que, dirigido por Lautaro Murúa, dio, pese a las prevenciones, la talla y la hondura del personaje.

Leopoldo Torre Nilsson ya se había inspirado en el gran repertorio teatral rioplatense cuando, en 1954, filmó “La tigra”, sobre la obra de Florencio Sánchez.

Dirección: Leopoldo Torre Nilsson
Guión: Leopoldo Torre Nilsson y Samuel Eichelbaum
Fotografía: Ricardo Younis

Música: Atilio Stampone

Reparto: Alfredo Alcón , Arturo García Buhr , Lydia Lamaison
Elida Gay Palmer, Duilio Marzio  y elenco.

LOCOS DE VERANO (1942)

Con esta obra, el T.N.Cervantes inició su ciclo más trascendente, y quien lo dirigió, Antonio Cunill Cabanellas, pasó a ejemplificar la idea del hombre de teatro  comprometido con la gestión pública, la generación de políticas culturales y, también, de grandes productos artísticos. Samuel Eichelbaum (de quien acabamos de admirar su “Un guapo del 900”) nos refiere que cuando se hizo público que la compañía del Teatro Nacional de Comedia había elegido para su espectáculo inaugural la reimage.pngposición de esta obra, se pensó (y algunos lo pregustaron) en un fracaso inevitable. “Las de Barranco” – asegura- es la obra más representada de Laferrere porque es la más fácil; “Locos de verano”, en cambio” carece en absoluto de trama y la intención, magníficamente lograda, de convertir el movimiento de los personajes y sus características en la única acción de la obra, sigue siendo aún hoy de una gran audacia renovadora. Un director debe ser algo muy próximo al genio del orden y la medida: lograr esto con cinco o seis personajes ya es mucho, Cunill Cabanellas lo había conseguido con veintinueve y tan admirablemente que –así concluye Eichelbaum– “cuesta admitir que eso se haya podido hacer de alguna otra manera que no fuera la suya

LOS DE LA MESA DIEZ (1960)

Es otra de aquellas “Historias para ser contadas” iniciadas en 1956 (año, también en que el Teatro Fray Mocho de Oscar Ferrigno inauguró su mítico espacio de Cangallo y Paraná) que recorrerían la geografía argentina y de gran parte de América. le devolverían al teatro argentino esa vocación épica, image.pngde oralidad, de la que, con honrosas excepciones, parecía haberse olvidado desde la imposición del drama culto, de “la piece bien fait” y, por unos años, protegería a nuestra escena de una impronta naturalista, reflexiva y fuertemente subjetiva que, por la irresistible contaminación de los modelos norteamericanos, caracterizarían la mitad realista de nuestra teatralidad posterior a los 60 (la otra mitad, la de las vanguardias, elegiría sus espejos en Europa). “Los de la mesa 10”, que fuera también “Los amantes de la calle corrientes”, resigna, naturalmente, en su versión cinematográfica, esa economía de medios (6 actores-narradores, una mesa, dos sillas y cámara negra) pero, no pierde esa fusión de hondura y sencillez de una historia que, en palabras de Dragún, trata del amor que todos buscan romper porque se le exige que resuelva todos los problemas que los otros no han podido (no hemos podido) resolver.

Dirección: Simón Feldman

Adaptación: Osvaldo Dragún y Simón Feldman

Música: Horacio Salgán

Fotografía: Ricardo Aronovich

Reparto: María Aurelia Bisutti, Emilio Alfaro, María Cristina Laurentz, Luis Medina Castro y elenco.