HOMENAJES – 1
(A veinte años de la muerte de Bernard-Marie Koltès)
UNE AUTRE SOLITUDE (1996)
Bernard-Marie Koltès, es uno de los nombres imprescindible del teatro del último cuarto del siglo XX. Su espacio dramático es impreciso, provisorio. Un paisaje, casi de catástrofe, urbano, industrial, definitivamente en las márgenes y -con una o dos excepciones- nocturno: ruinas, desechos, obras que en plena construcción ostentan ya su naturaleza intrínseca de chatarra. Es natural, por lo tanto, que los personajes sigilosos, especulativos, clandestinos -aunque estén condenados a merodearlos- parezcan siempre estar intentando salirse de ellos. Contra un tiempo de fugaces modas teatrales, la normativa de Koltès parece anacrónica (el desarrollo lineal de espacio-tiempo). La historia es su trasfondo insoslayable y (¿lo habrán advertido sus admiradores?) propone una antítesis a las estéticas de la posmodernidad., en todo caso, sus textos implican la conciencia del fin de la modernidad.
La revelación del enorme talento de Koltès le debe mucho, que duda cabe, a la sensibilidad de Patrice Cherau. El gran director francés entendió la naturaleza antirromántica de esos textos, la sombría química de una poética en la que afectividad y transacciones comerciales, no son valores excluyentes. Precisamente la filmación que les presentamos nos permite acceder a la intimidad del ensayo de una de las realizaciones emblemáticas del binomio. La película de Stéphane Metge, de 1996, relata esencialmente el proceso de creación y elaboración de la tercera puesta en escena de Patrice Chéreau, con la actuación de Pascal Gregory, de En la soledad de los campos de algodón (la primera, del Theatre des Amadiers-Nanterre, es de 1987).
EL DOCUMENTAL – 3
EL MUNDO ES UN ESCENARIO. Un viaje personal por el Teatro.
(ALL THE WORLD´S A STADGE. One man`s journey through the Theatre)
7: MEDIAS DE SEDA Y SENOS BLANCOS. El fin de la Revolución Inglesa (La Restauración) infundió en la escena inglesa (tras 18 años de prohibición puritana) un estremecimiento de alegría cortesana, ingenio y sexualidad explícita. Los roles femeninos son encarados por actrices, los miembros de la farándula adquieren una notoriedad desusada hasta entonces, y las compañías teatrales compiten con ferocidad.
8: LOS VICIOS DE LA HUMANIDAD. EL SIGLO DE ORO DEL TEATRO FRANCÉS. Es el tiempo de la tragedia clásica (la de Pierre Corneille, la de Jean Racine) que elevó el teatro barroco Francés a la pura excelencia literaria; el del gremio de dramaturgos del Cardenal Richelieu, prisión de oro, en la que la unidades aristotélicas eran artículo de fe, también el de Moliere, crítico, burlón, cómico y amargo, que como autor escribía para el actor y como actor guiaba la pluma del autor.
Escrito, dirigido y presentado por Ronald Harwood,
LAS PUESTAS HISTÓRICAS – 4
TRES HERMANAS
(Drei Schwestern, 1985)
Fresco aún el recuerdo del montaje de Lee Strassberg de esta obra de Chejov, que, filmada por Paul Bogart en 1965, programamos en Abril y, a pedido del público, en junio ppdos., nos parece interesante confrontarla rápidamente con la de Peter Stein, desde mediados los 60, uno de los directores más influyente de la escena europea y mundial. Estas “Tres hermanas” se producen en el momento más fecundo de su trabajo al frente del Schaubühne am Lehniner Platz, Berlín – desde el que propondría con, entre otros, Klauss Martin Grüber y Luc Bondy, una renovación radical para el teatro alemán; y, sobre todo tras su apoteósica presentación en Moscú- se constituyo en referencia antagónica y complementaria a las ideas de Stanislavsky sobre la dramaturgia chejoviana.
Dirección: Peter Stein. Interpretación: Peter Simonischek, Edith Clever, Jutta Lampe y elenco. Una puesta en escena del Schaubühne am Lehniner Platz, Berlín. Basada en el drama de Anton P. Chejov, traducido al alemán por Gudrun Düwel y Peter Urban.
RUPTURAS Y TRANSICIONES – 1
EL ANIMADOR
(The Entertainer, 1960)
En mayo de 1956 (dos meses después Egipto nacionalizaría el Canal de Suez) el Royal Court Theatre que dirigía George Devine, estrenó “Recordando con Ira” (Look Back in Anger), la obra de un joven dramaturgo, John Osborne, que, sobre todo por oportunidad, estaba destinada a develarnos un teatro inglés distinto del que todos reconocíamos y preveíamos. No se trataba sólo de un salto de los buenos a los malos modales, sino del acceso a los escenarios, y el consecuente paso a la popularidad, de de toda una generación, la de la posguerra, profundamente desencantada y muy, muy enojada (autores, actores y personajes) con una realidad uniformemente gris. Laurence Olivier, sin embargo, no se sintió demasiado impresionado cuando la vio por primera vez, al contrario, Arthur Miller lo recuerda como “ofendido con la obra, herido en sus sentimientos patrióticos”, eso no impidió que una segunda visión modificase radicalmente su juicio y que, en consecuencia, le pidiese a Osborne, con toda humildad, que se acordara de él cuando escribiera otro drama. Ese encuentro significa mucho más que esta pieza, “El animador”, que en versión cinematográfica de Tony Richardson, les ofrecemos: sugiere una síntesis entre tradición y evolución escénica que explica el cruce de Olivier o John Gielgud, con Albert Finney, Tom Courtenay o Alan Bates; que abre (no demasiado traumáticamente) la escena para Arnold Wesker, Tom Stoppard y, fundamentalmente, Harold Pinter; que, con toda naturalidad, pone la obra de Shakespeare, en manos de Peter Hall, Peter Brook y, algo después, en las de Trevor Nunn o Deborah Warner.
Dirección: Tony Richardson
Guión: Sobre la obra de John Osborne, por Nigel Kneale y John Osborne.
Música Original: John Addison
Director de Fotografía: Oswald Morris
Reparto: Laurence Olivier (Archie Rice), Brenda De Banzie (Phoebe Rice), Roger Livesey (Billy Rice), Joan Plowright (Jean Rice), Alan Bates (Frank Rice), Daniel Massey (Graham), Albert Finney, (Mick Rice), Shirley Anne Field, (Tina Lapford),
Thora Hird, (Mrs. Ada Lapford), Tony Longridge (Mr. Wilfrid Lapford) y elenco